Dentro de la Competencia Latinoamericana del 41º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata se estrenó la película venezolana seleccionada para representar ese país en los Premios Goya.
Volver sobre un clásico siempre supone un desafío, especialmente cuando se trata de una película que dejó una marca tan profunda en la historia del cine de un país. En El pez que fuma, Luis Fernández toma como punto de partida una emblemática película venezolana de Román Chalbaud, estrenada en 1977, para construir una historia que va mucho más allá de una remake. Lo que propone es una reflexión sobre el cine, sus protagonistas, el paso del tiempo y las huellas que puede dejar una obra en la vida de quienes la hicieron.
La historia nos lleva nuevamente al mítico prostíbulo El Pez que Fuma, regenteado por La Garza (Mimí Lazo), una mujer que conoce perfectamente los códigos de ese universo y que ha construido allí una comunidad de personajes marginales. La llegada de Jairo (Fran Berenguer), un joven español con ambiciones de poder, altera el equilibrio del lugar y desata una disputa con Dimas (Jorge Reyes), el hombre fuerte del establecimiento y pareja de La Garza, que participa de los negocios del lugar, entre la prostitución y el tráfico de drogas. Pero esta historia es apenas una de las capas de la película: en paralelo, asistimos al rodaje de una nueva versión del clásico, donde Ana (Mimí Lazo), la actriz que interpreta a La Garza, su director Santiago (Rafael Romero) y el joven actor Fernando (Fran Berenguer) comienzan a reproducir, de distintas maneras, los conflictos de la ficción.
Es precisamente en ese juego de cine dentro del cine donde la película encuentra uno de sus mayores intereses. Fernández recupera la historia de una obra que marcó a toda una generación y, especialmente, la experiencia de una actriz cuya participación y exposición en aquella película dejaron consecuencias en su vida personal y profesional. Así, el rodaje se convierte en una oportunidad para revisar el pasado, discutir la censura, los prejuicios y el lugar que ocupan las mujeres en la industria cinematográfica. También para preguntarse qué sucede con los artistas cuando el tiempo pasa, cuando las nuevas generaciones ocupan otros espacios y cuando el propio mundo del espectáculo parece dispuesto a dejarlos atrás.
La película también encuentra resonancias en el presente. Aquella historia ambientada en los días de la nacionalización del petróleo venezolano vuelve a poner sobre la mesa las contradicciones de un país atravesado por sus recursos naturales, sus disputas de poder y sus promesas de futuro. Los conflictos cambian de forma, pero algunos parecen repetirse cíclicamente. El arte, en ese sentido, funciona como una memoria que permite volver sobre aquello que todavía no termina de resolverse.
Uno de los grandes atractivos de la propuesta es su universo de personajes. Hay lugar para distintas sexualidades e identidades de género, mujeres que buscan hacerse un lugar, personajes trans y figuras atravesadas por la vejez, el deseo y la necesidad de seguir existiendo. Algunos son verdaderamente pintorescos, como ese viejo fascinado por la astronomía que espía a los marcianos y mantiene contacto con un médico japonés. Son personajes que enriquecen el relato y le aportan una dimensión extravagante, por momentos delirante. La película no le escapa al sexo, la violencia, la seducción ni a las relaciones atravesadas por la ambición y el poder.
Con buenas actuaciones y un repertorio de personajes muy atractivo, El pez que fuma construye un universo que seduce por su exuberancia. La puesta en escena es grandilocuente, colorida y vertiginosa, con números musicales, mucho ritmo latino y un montaje paralelo que diferencia los tiempos narrativos y permite que las dos historias dialoguen entre sí. Hay algo decididamente onírico en su propuesta visual, una libertad para mezclar tonos, situaciones y personajes que por momentos remite al cine de Federico Fellini.
Sin embargo, esa misma exuberancia también supone un riesgo. Por momentos, la película parece querer abarcarlo todo y su despliegue visual y narrativo amenaza con saturar la historia. Su ambición es indudable, aunque no siempre encuentra el equilibrio entre el espectáculo, la reflexión y la emoción. Y ahí aparece inevitablemente la comparación con la obra de Chalbaud: la nueva película no alcanza la misma contundencia de aquel clásico ni pretende necesariamente hacerlo. Su mayor virtud está en no limitarse a reproducirlo, sino en utilizarlo como espejo para pensar qué queda de aquellas historias, de sus protagonistas y de las discusiones que todavía nos atraviesan.
En el centro de todo está La Garza (Mimí Lazo), una mujer que parece haber convertido el paso del tiempo en una nueva forma de resistencia. En la interpretación de Lazo hay algo de esa figura arrolladora, desfachatada y dueña de la escena que bien podría ser una suerte de Moria Casán venezolana. Su personaje funciona como el corazón de una película que habla del deseo, de la memoria, de la supervivencia y de la necesidad de encontrar un lugar incluso cuando el mundo parece haber decidido que ya no nos corresponde.
Luis Fernández no busca simplemente reproducir un clásico ni competir con su legado. Su película dialoga con él, lo revisita y lo utiliza como punto de partida para hablar del presente y de las transformaciones del propio cine. Una propuesta ambiciosa, seductora y visualmente exuberante que, aun con algunos excesos, reivindica la capacidad del arte para sobrevivir al paso del tiempo. Porque las películas no terminan cuando aparecen los créditos: muchas veces continúan viviendo en quienes las hicieron y en las historias que todavía tienen para contar.